David Hettinger

El artista galardonado, David Hettinger, comenzó su carrera cuando se subió a un avión desde la ciudad ferroviaria de Aurora, Illinois, y aterrizó en la ciudad de Nueva York. Se mudó a Nueva York por consejo de Joseph Welna, propietario de la Welna Gallery en Chicago, y prácticamente no tenía sabiduría mundana, sólo un deseo feroz de "aprender lo que era ser un verdadero artista". Welna comenzó a mostrar el trabajo de Hettinger cuando el joven artista aún asistía a la Academia Estadounidense de Arte, en Chicago. Instó a Hettinger a estudiar con David Leffel y Richard Schmid en Nueva York y a aprender cómo ganarse la vida como artista desde el primer día. Con firmeza y determinación, Hettinger se hizo un nombre como artista y nunca miró hacia atrás.

Hoy en día, las pinturas de Hettinger se encuentran en colecciones privadas de todo el mundo. Se centra en trabajos figurativos extraídos de la vida en su estudio Aurora. Estas obras representan toda una vida de observación de las relaciones cotidianas entre las personas.

Las relaciones y las dulces sutilezas compartidas entre los seres humanos son el núcleo del hombre y artista en el que se ha convertido Hettinger. El fugaz tesoro humano de esos momentos sutiles entre las personas se manifiesta en la obra de Hettinger de manera verdadera, porque es la verdad de Hettinger.

Formalmente, su formación comenzó en la Academia Americana de Arte de Chicago, Hettinger aprendió el realismo clásico y las técnicas de los maestros flamencos, holandeses y españoles.

Después de cuatro años en la academia, Hettinger se mudó a la ciudad de Nueva York, donde estudió con David Leffel y Richard Schmid. Durante sus dos años en el estudio de Leffel pintó naturalezas muertas y figuras, trabajando siempre a partir de modelos vivos. Aprendió la importancia de trabajar de la vida real de Schmid y Leffel, y hasta el día de hoy asiste a grupos de dibujo natural dos veces por semana para mantener sus habilidades de dibujo afinadas.
Desde que comenzó su carrera como artista profesional ha realizado 21 exposiciones individuales en galerías de todo el país. Es miembro maestro de Oil Painters of America. Ha ganado premios por sus paisajes, naturalezas muertas y pinturas figurativas.

Su trabajo ha sido reseñado en American Artist Magazine 1993, The Artist Magazine 2003 e International Artist 2004, y ganó la Medalla de Oro de la OPA en 2010.

Cuarenta años de dibujo y pintura del natural le permitieron a Hettinger desarrollar conceptos para pinturas basados ​​en experiencias pasadas y observaciones de la vida. A menudo comienza un cuadro sin modelos ni referencias, extrayendo una escena de un recuerdo pasado. Los modelos se contratan para pinturas figurativas sólo después de que un concepto esté plasmado en el lienzo. Hettinger no piensa en sus piezas figurativas como retratos o pinturas de personas, sino más bien en relaciones y momentos en el tiempo.
Un niño que le hace una pregunta a un adulto puede inspirar una pintura; La idea de una tranquila tarde de verano interrumpida por un niño que quiere hacer algo o ir a algún lugar le hace sonreír a Hettinger. Esa sonrisa inspira una pintura que llevará a Hettinger a un mundo de posibilidades. Reflexiona sobre la relación entre el niño y el adulto y las preguntas que al adulto parece tener dificultades para responder.

Dar vida a estos conceptos en un lienzo son los retos más divertidos de Hettinger. Elaborar un diseño para la pintura e idear colores para la ropa y el fondo son pequeños acertijos que resolver.
Las texturas del tema y la superficie de la pintura son otros desafíos que acepta. Cada pintura para Hettinger es una experiencia presente en la que revive una experiencia pasada. Incluso sus naturalezas muertas guardan para él recuerdos personales.
Su madre era una jardinera a la que le encantaba salvar las plantas del verano llevándolas a casa durante el invierno. Los alféizares de las ventanas estaban llenos de plantas en macetas. Ahora sus pinturas son de esas plantas en macetas colocadas en el alféizar de la ventana con un paisaje afuera.

Filosofía del artista:

Lo mío es pintar y dibujar, es todo lo que hago. Dibujar la figura humana es mi pasión. No estoy segura de cuántos años tenía cuando comencé a dibujar; Doy diferentes edades cuando me hacen la pregunta. Sé que era bastante joven y sé que mi interés por dibujar personas también era algo que poseía desde temprana edad. Dibujar vaqueros en la televisión fue un comienzo, y luego la gente del vecindario empezó a interesarme. Actualmente contrato modelos para poder dibujar y pintar del natural en mi estudio. La figura humana sigue siendo mi principal interés y conocer a las personas que pinto se ha convertido en parte del proceso. Para poder capturar verdaderamente una figura necesito conocer a la persona que estoy pintando.

A lo largo de los años, he conocido algunos modelos fascinantes en grupos de dibujo y he tenido la suerte de colaborar con ellos durante períodos que abarcan años. Prefiero trabajar con un individuo en particular durante el mayor tiempo posible, por lo que la personalidad se vuelve tan importante como la figura física. Todo el mundo ha visto ese cuadro que expresa más sentimientos que una simple cara bonita; eso surge cuando realmente conoces a la persona detrás del lienzo. Todas mis modelos son mujeres vivas y que respiran con interesantes historias de vida, luchas y pasiones.

Me inspiran sus vidas, sus recuerdos de la infancia y sus esfuerzos actuales tanto como su apariencia. Mis pinturas son recuerdos de mi infancia y mi familia y de escenas que he visto y que me inspiran. Paso mucho tiempo observando a la gente en los parques, haciendo jardinería, pescando, cuidando a los niños, todas las cosas que la gente hace en su vida diaria.

Dibujar estas escenas es cómo las grabo y contratar modelos es cómo creo el arte que amo hacer, que es pintar la vida diaria que veo a mi alrededor. Mi cuadro "En el rincón del jardín" era una escena de una reunión familiar.
Recreé esa escena de dos de las hijas de mi prima, solas hablando y descansando después de una tarde de bádminton y caminata. Contraté a dos de mis modelos favoritos, los instalé en un parque y los dibujé al carboncillo y al óleo.

Una vez que tengo mi concepto plasmado en el lienzo, me concentro en lograr que las figuras interactúen de alguna manera. Luego introduzco la idea de superficie de pintura en mi proceso de pintura. Para mí es muy importante el trabajo con pincel y el aspecto de la superficie de la obra de arte terminada. Una pintura de varias figuras, en promedio, tarda unos diez días. Esto es desde la semilla del concepto hasta su finalización. El tiempo real de pintura puede ser de una semana a tres semanas, pero el proceso completo, desde la primera idea del concepto hasta la firma de la pintura terminada, suele durar un mes.